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terça-feira, 13 de fevereiro de 2018

O Vilão Ainda a Perseguia (1940): Buster Keaton e a paródia

The Villain Still Pursued Her (1940): Buster Keaton and parody

Ainda bem que os valores mudam. Na minha opinião, há progreso quando  há cada vez menos conservadorismo e condenação dos atos. A sociedade progride quando ela se leva menos a sério, e o comportamento das pessoas não precisa ser moldado e condenado por fortes e trágicas lições de moral. É fácil ver um sinal desta mudança: quando uma obra reverenciada, com muito drama e carga moral, é resgatada anos após seu sucesso inicial e parodiada.

Thank God values change. In my opinion, progress means becoming less and less conservative and condemning. Society progresses as it takes itself less seriously, and behaviors don't have to be shaped and condemned by strong and tragic moral lessons. It's easy to see one sign of this change: when a revered work of fiction, heavy on melodrama and morality, is taken years after its initial success and parodied.
Em 1940, Buster Keaton já havia feito todos os seus maiores sucessos. Ele estreou no cinema em 1917, fez curtas e longas-metragens, deixou sua marca na comédia, teve liberdade criativa, perdeu a liberdade criativa indo para a MGM, viu a desgraça e a morte de seu amigo Roscoe 'Fatty' Arbuckle, se casou, teve dois filhos, se divorciou, fez filmes falados, perdeu dinheiro e venceu o alcoolismo. Era uma ótima hora para Buster parodiar uma peça que defendia a abstinência.

By 1940, Buster Keaton had made all his greatest hits. He started in movies in 1917, did short and feature films, left a mark in slapstick comedy, had creative freedom, had his creative freedom taken when he went to MGM, saw the disgrace and death of his friend Roscoe 'Fatty' Arbuckle, got married, had two sons, divorced, starred in talkies, lost money and battled alcoholism. It was a very good time for him to parody a play that advocated temperance.
“O Vilão Ainda a Perseguia” é uma paródia da peça “The Drunkard” (O Bêbado), que estreou em 1844 – quase um século antes de o filme ser feito. A peça foi um sucesso, e defendia a temperança – isto é, a abstinência de álcool. Este tema já era motivo de piada havia alguns anos,  quando a peça foi parodiada por W.C. Fields no filme “No Tempo do Onça” (1934). E se você ainda não está convencido de que “O Vilão Ainda a Perseguia” é uma comédia, esta é a mensagem no começo do filme:

“The Villain Still Pursued Her” is a spoof of the play “The Drunkard”, that opened in 1844 – almost one hundred years before the film was made. The play was a big hit, and advocated temperance – that is, abstinence. This theme was already laughable a few years before, when “The Drunkard” was spoofed as the W.C. Fields comedy “The Old Fashioned Way” (1934). And if you're not yet convinced of the comic nature of “The Villain Still Pursued Her”, here it is the opening message:
O filme de 1940 é sobre as atitudes vilanescas de Silas Cribbs (Alan Mowbray) para destruir a vida de Edward Middleton (Richard Cromwell). Por quê? Bem, apenas porque ele odeia Middleton. Cribbs quer levar Middleton à desgraça  ao torná-lo um ébrio. A única pessoa que pode salvar Middleton é seu amigo William (Keaton).

The plot of the 1940 movie conveys Silas Cribbs's (Alan Mowbray) villainous acts to destroy Edward Middleton's (Richard Cromwell) life.Why? Well, just because Cribbs hates Middleton. Cribbs wants to drive Middleton to disgrace by making him a drunkard. The only one who can save Middleton is his friend William (Keaton).
O título do filme vem do curta-metragem silencioso “E o Vilão Ainda a Perseguia”, de 1906, e também de uma animação de 1937 cujo vilão se aprece muito com Cribbs. Você pode esperar muitas paródias da era Eduardiana: a linguagem teatral, complexa e melodramática e os gestos exagerados, por exemplo. É interessante observar que Buster Keaton interpreta o cara sério – um papel que combina perfeitamente com seu rosto imutável.

The title of the film comes from the silent short “And the Villain Still Pursued Her”, released in 1906, and also a 1937 cartoon whose villain looks a lot like Cribbs. You can expect a lot of spoofs coming from the Edwardian era: the complex and melodramatic theater language and the exaggerated gestures, for instance. It's interesting to note that Buster Keaton plays the straight man here – a role that suits his stone face perfectly.
Os atores frequentemente olham para a câmera e dizem algo em tom confidencial para o público. Cribbs foi a inspiração para outros vilões vindos do cinema mudo: Snidely Whiplash, do desenho “Dudley Certinho”, e o professor Fate do filme “A Corrida do Século” (1965). Ao contrário do que se pensa, vilões com capas escuras e cartolas pretas que amarravam donzelas à linha do trem NÃO  eram comuns no cinema mudo.

The actors often look at the camera and say something in a confidential tone to the audience. Cribbs was the inspiration for other silent film-like villains: Snidely Whiplash, from the cartoon “Dudley Do-Right”, and Professor Fate from the movie “The Great Race” (1965). Contrary to what is wildly believed, villains with dark capes and black top hats that tied damsels to tracks were NOT common characters in silent movies.
Foi interessante perceber que Buster não menciona este filme ou sua filmagem em sua autobiografia, “My Wonderful World of Slapstick”. Ele pula direto de seu trabalho como criador de gags para a MGM para seu sucesso na televisão.

Interestingly enough, Buster doesn't mention this movie or its production in his autobiography, “My Wonderful World of Slapstick”. He jumps from his work as a gag advisor at MGM directly to his newfound success on TV.
Buster Keaton estava acostumado com paródias. Só em 1923 ele fez duas: o curta-metragem “The Frozen North”, parodiando os westerns de William S. Hart, e seu primeiro longa-metragem, “A Antiga e a Moderna”, parodiando o épico “Intolerência” (1916) de D.W. Griffith. O autor Wes Gehring vai mais além e aponta o clímax de “Amores de Estudante” (1927) como uma paródia de “The Lonely Villa” (1909), de Griffith.

Buster Keaton was no stranger to parodies. In 1923 alone he did two: the two-reeler “The Frozen North”, spoofing the William S. Hart westerns, and his first feature, “The Three Ages”, spoofing D.W. Griffith's epic “Intolerance”,  from 1916. Author Wes Gehring goes further in his book “Parody as a Film Genre: 'Never Give a Saga an Even reak'”, and says that the climax of “College” (1927) is a spoof of Griffith's “The Lonely Villa” (1909).
Erich von Stroheim was also parodied 
in "The Frozen North"!
Visto for a do contexto, “The Frozen North” é uma ovelha negra na filmografia de Keaton. Ele tem um tom mais melodramático – algo que é entendido quando descobrimos que se trata de uma paródia. William S. Hart foi um astro de cinema incrivelmente popular, e em 1923 os frequentadores dos cinemas prontamente reconheceram os maneirismos dele assim que Keaton começou a imitá-lo em “The Frozen North”. Tudo grita William S Hart: o chapéu, as roupas, as armas, o tom, o cigarro sendo enrolado com uma mão só – e, claro, o choro.

Seen without context, “The Frozen North” is a very, very odd movie in Keaton's filmography. It has a more melodramatic feeling – and one that is perfectly understood when we learn that it's a spoof. William S. Hart was an incredibly popular film star, and the 1923 moviegoing audience quickly recognized his mannerisms once Keaton started imitating him in “The Frozen North”. Everything screams William S. Hart there: the hat, the clothes, the guns, the tone, the cigarette being rolled with only one hand – and, of course, the crying.
William S. Hart levava sua persona cinematográfica muito a sério, e não ficou feliz quando durante a sequência mais tensa e hilária de “The Frozen North”, Keaton parodiu o hábito do astro de chorar nas telas. Hart pensava que o choro tornava seu caubói mais humano, e não deveria ser usado para arrancar risadas. O resultado foi que Hart não falou com Buster Keaton por dois anos após o filme ser feito.

William S. Hart took himself and his screen persona seriously, and wasn't happy when, during the most tense and hilarious sequence of “The Frozen North”, Keaton spoofed his habit of crying onscreen. Hart thought this made his cowboy human, and it shouldn't be used as a source for laughs. The result is that Hart didn't speak with Keaton for two years after “The Frozen North” premiered.
Se Griffith tratou da intolerância em quatro períodos diferentes em seu épico imenso, Keaton falou de amor em três épocas em “A Antiga e a Moderna”. Apaixonar-se, paquerar e desafiar um rival na idade da pedra, na Roma antiga e nos tempos modernos tinha muitas semelhanças – incluindo uma boa quantia de comédia física e exibição atlética. Pelo que eu sei, Griffith não se zangou com esta paródia.

If Griffith dealt with Intolerance in four different time periods in his huge epic, Keaton talked about love in three different time periods in “The Three Ages”. Falling in love, courting and defying romantic rivals  in the Stone Age, Ancient Rome and in modern days had many similarities – including a good amount of physical comedy and athletic exhibition. As far as I'm concerned, Griffith didn't become sour at Keaton for spoofing his work.
É curioso notar que “A Antiga e a Moderna”, 'The Frozen North" E  “O Vilão Ainda a Perseguia” foram todos dirigidos por Edward F. Cline. Com dois veteranos do slapstick juntos, tivemos um truque gratuito no filme de 1940: uma pequena guerra de tortas – sem qualquer razão. Keaton não gostava de torta na cara, que considerava bobo e sem imaginação, e seu personagem de fato não é atingido por nenhuma torta.

Interestingly  enough, both “The Three Ages”, "The Frozen North" and “The Villain Still Pursued Her” were directed by Edward F. Cline. With two slapstick veterans working together, we have a free slapstick trick in the 1940 movie: a brief pie fight – for no reason at all. Buster Keaton didn't like pie fights, considering them cheap and stupid, and his character here is never hit by a single pie.
Como Keaton diz em sua autobiografia, você só pode parodiar sucessos – e nos livro ele usa a palavra 'burlesco' como sinônimo de 'paródia'. De fato, se você fizer piada com algo que seu público não conhece, os esforços são em vão. Além disso, uma paródia é um elogio: você só copia pessoas e obras que te inspiram. Nesse sentido, “The Frozen North”, “A Antiga e a Moderna” e “O Vilão Ainda a Possuía” são todos eficazes, cada um à sua maneira, como paródias que ora homenageiam, ora ridicularizam.

As Keaton says in his autobiography, you can only spoof successes – in the book he uses the word 'burlesque' as a sinonym of 'spoof'. Indeed, if you make fun of something your public doesn't know, all efforts fall flat. Besides that, a parody is a compliment: you often emulate people and works of art that inspire you. In this sense, “The Frozen North”, “The Three Ages” and “The Villain Still Pursued Her” are all effective, each one in its own way, as parodies that sometimes pay tribute, and sometimes are ridicule.

This is my contribution to the Fourth Annual Buster Keaton blogathon, hosted by Lea at Silent-ology.

domingo, 11 de fevereiro de 2018

Mary Pickford e Mack Sennett: quando os canadenses se encontram

Mary Pickford and Mack Sennett: when Canadians meet

Quando você está em um país estrangeiro, qualquer pessoa que venha do mesmo lugar que você é visto como um aliado. Sempre que brasileiros se encontram no exterior, por exemplo, há sorrisos e risadas e, se eles passam tempo suficiente juntos, tudo acaba em festa. Por isso eu imagino que encontrar outro estrangeiro tentando ganhar a vida nos primeiros tempos da indústria do cinema deve ter sido uma alegria para a jovem Mary Pickford.

When you are in a foreign country, any person who comes from the same place as you is seen as an ally. Whenever Brazilians meet abroad, for instance, there are smiles and laughs and, if they spend enough time together, also a party. That’s why I imagine finding a fellow foreigner trying to earn a living in the early days of film industry must have been a joy for young Mary Pickford.
On the left, Mary and Mack, 1911
A primitiva indústria do cinema estava cheia de estrangeiros. Muitos diretores e, em especial, produtores que alcançaram sucesso em Nova York e em Hollywood não nasceram nos Estados Unidos. Muitas estrelas de cinema também foram importadas – muitas do Canadá, país que nos deu Norma Shearer, Marie Dressler, Walter Huston e muitos outros. Na verdade, a ‘namoradinha da América’ era canadense – e o rei da comédia em Hollywood também.

The early film industry was full of foreigners. Many directors and, in special, producers who made it big in New York studios and in Hollywood were note born in the USA. Several film stars were also imported – notably from Canada, the land that gave us Norma Shearer, Marie Dressler, Walter Huston and many more. To be fair, America’s sweetheart was Canadian – and also Canadian was the King of Comedy in Hollywood.
Mary Pickford, in the middle, in Ramona, 1910
Gladys Louise Smith nasceu em Toronto em 1892. Michael Sinnott nasceu em Québec em 1880. Vinda de uma família pobre, Gladys estreou no teatro ainda criança, e viajou pelos EUA atuando e fazendo disso o sustento de sua família. Ela mudou o nome para Mary Pickford por sugestão de um produtor da Broadway em 1907. Em 1909, ela fez seu primeiro filme no estúdio Biograph, comandado por D.W. Griffith.

Gladys Louise Smith was born in Toronto in 1892. Michael Sinnott was born in Québec in 1880. Coming from a poor family, Gladys started appearing in theater plays as a kid, and touring the US in the pursuit of money. She changed her name to Mary Pickford persuaded by a Broadway producer in 1907. In 1909, she made her first film at the Biograph studio, run by D.W. Griffith.
Michael era filho de um dono de pensão. Ele vivia com conforto, mas se mudou para Connecticut quando tinha 17 anos. Quando vivia em Massachusetts, ele considerou se tornar cantor de ópera, mas fizeram-no desistir da ideia. Já em Nova York, ele começou a trabalhar para o estúdio Biograph, onde ele exercia várias funções – incluindo montagem de cenários, direção e até atuação.

Michael was the son of an innkeeper. He lived comfortably, but moved to Connecticut when he was 17. While living in Massachusetts, he thought about becoming an opera singer, but was talked out of the idea. Once in New York, he started working at Biograph studios, where he had several jobs – including set design, director and even actor.
Naqueles tempos primitivos, não havia papel pequeno demais, e todos iam para frente das câmeras vez ou outra – até o próprio Griffith estreou como ator em um curta de Edwin Porteer. Grandes estrelas eram reconhecidas, mas não creditadas – o público não sabia o nome de seus ídolos – e uma carreira poderia ser construída de forma incrivelmente rápida.

Back in those primitive times, there were no small roles, and everybody stepped in front of the camera sometimes – even Griffth himself debuted as an actor in a short film by Edwin Porter. Big stars were recognized, but not advertised – meaning the public didn’t know their names – and a career could be build incredibly quick.
Henry B. Walthall and Mary Pickford, Wilful Peggy, 1910
O site IMDb pode não ser a fonte mais confiável, mas é a mais completa a que temos acesso. De acordo com o site, Mary Pickford fez 248 filmes. Mack Sennett atuou em 363 filmes. Fazendo a interseção das filmografias – com um programa de computador, veja o resultado abaixo – eu descobri que eles apareceram juntos em 76 filmes entre 1909 e 1911. É um número impressionante, mas plausível quando consideramos que todos estes filmes eram curtas-metragens – a maioria deles de 15 minutos de duração, finalizados muito rapidamente.

IMDb may not be the most reliable source, but it is the most complete we have. According to the site, Mary Pickford appeared in 248 movies. Mack Sennett was an actor in 363. I intersected their filmographies – with a computer program, see below – and found out they appeared in 76 films together between 1909 and 1911. This sounds impressive, but plausible once we think that all of those films were shorts – most of them one-reelers that were shot very quickly.
Se a estimativa de que cerca de 75% de todos os filmes mudos estão perdidos for verdade, poderíamos esperar que 19 das colaborações entre Sennett e Pickford ainda existiriam – e todas estariam em domínio público. Eu fiquei boquiaberta quando encontrei 27 dos 76 filmes disponíveis completos no YouTube – mais os fragmentos de outros dois filmes. Eles podem ser encontrados nesta playlist.

If the estimate that roughly 75% of all silent movies are lost is true, we could expect to find 19 of the Sennett-Pickford collaborations still extant – and all of them would be in public domain. I was speechless when I found 27 of the 76 movies fully available on YouTube – plus the fragments of other two movies. They can be found in this playlist.
Mary and Mack in "An Arcadian Maid", 1910
Muitos dos filmes foram preservados pelo Museu de Cinema EYE na Holanda. Nestes curtas-metragens, é interessante notar que estrelato ainda não era um conceito bem estabelecido no cinema: em um filme, como “O Usurário” (1909), Mack Sennett tinha um papel importante, e em um filme posterior, como “Ramona” (1910), protagonizado por Pickford, ele fazia apenas uma participação como extra. Às vezes Mack também tinha uma jornada dupla ou tripla como roteirista e assistente de direção.

Many of these movies were preserved at the EYE Film Museum in Netherlands. In these short films, it’s interesting to notice that stardom wasn’t something established in the film world yet: in one movie, like “The Usurer” (1909), Mack Sennett could have an important role, and in a later movie, like “Ramona” (1910), starred by Pickford, he had just a bit part. Sometimes Mack also had a double or triple journey as writer and assistant director.
The Sealed Room, 1909
Mary Pickford deixou a Biograph para se juntar ao IMP, estúdio de Carl Laemmle, em 1911. Mack Sennett continou trabalhando na Biograph, com mais e mais liberdade criativa, e em 1912 contracenou com outra grande atriz do cinema mudo, Mabel Normand. Ele e Mabel deixaram a Biograph logo depois, e Mack fundou os estúdios Keystone – onde comediantes como Charles Chaplin, Harold Lloyd, Roscoe ‘Fatty’ arbuckle e Louise Fazenda estrearam no cinema.

Mary Pickford left Biograph for IMP, Carl Laemmle’s studio, in 1911. Mack Sennett continued working at Biograph, with more and more creative freedom, and in 1912 shared the screen with another great silent actress, Mabel Normand. He and Mabel left Biograph soon after, and Mack founded Keystone Pictures Studios – where comedians like Charles Chaplin, Harold Lloyd, Roscoe ‘Fatty’ Arbuckle and Louise Fazenda debuted in films.
O estúdio que primeiro empregou Mary Pickford e Mack Sennett, a Biograph, fechou em 1915, quando os longas-metragens ganharam popularidade. Mack Sennett se tornou produtor independente de comédias em 1917. Mary Pickford trabalhou em muitos estúdios, como Famous Players e First National Pictures, e em 1919 foi uma das fundadoras da United Artists. Pickford e Sennett nunca mais trabalharam juntos de novo – mas receberam suas estrelas na Calçada da Fama no mesmo dia, oito de fevereiro de 1960, alguns meses antes da morte de Mack.

Mary Pickford’s and Mack Sennett’s first studio employer, Biograph, closed in 1915, when feature films became popular. Mack Sennett became an independent slapstick producer in 1917. Mary Pickford worked for many studios, like Famous Players and First National Pictures, and in 1919 was one of the founders of United Artists. Pickford and Sennett never worked together again – but they got their stars on the Hollywood Walk of Fame on the same day, February 8th, 1960, a few months before Mack’s passing.

This is my contribution to the O’Canada blogahon, hosted by Ruth and Kristina at Silver Screenings and Speakeasy.

sábado, 3 de fevereiro de 2018

Almas Rebeldes / Strange Cargo (1940)

Clark Gable e Joan Crawford fizeram oito filmes juntos. O primeiro  deles foi em 1931, e o último em 1940. “Almas Rebeldes” é este último filme da parceria, um filme que veio logo depois de muito sucesso para ambos: em 1939 Gable fez um pequeno filme chamado “E o Vento Levou...” e Crawford foi uma das estrelas de “As Mulheres”. “Almas Rebeldes” foi, para as duas estrelas, uma grande mudança em relação à pompa de seus trabalhos pregressos.

Clark Gable and Joan Crawford made eight films together. Their first pairing was in 1931, and their last in 1940. “Strange Cargo” is this last film they made together, and it came following successes from both: in 1939, Gable was in a little film called “Gone with the Wind” and Crawford was one of the many stars in “The Women”. “Strange Cargo” was a complete change from the glamour and pomp for the two stars.
Apenas pessoas esquecidas vivem na Guiana – um local que, no mundo do cinema, se parece muito com a África de “O Diabo Riu por Último” (1953). Há uma grande prisão lá, para 'homens que perderam as esperanças'. E as mulheres que trabalham no bar local são imigrantes que fariam qualquer coisa para sobreviver. Mas há uma regra: mulheres e prisioneiros não podem ser vistos juntos. É por isso que o prisioneiro Verne (Clark Gable) representa encrenca para Julie (Joan Crawford). O primeiro contato dele é mias para violento que para romântico, e ele só pensa em uma coisa: em fugir.

Only forgotten people live in Guiana – a place that, in the film world, looks a lot like the Africa we see in 1953's “Beat the Devil”. There is a big prison there, for 'men who have lost hope'. And the women who work in the local bar are immigrants who would do anything to survive. But there is a rule: women and inmates can't be seen together. That is why prisoner Verne (Clark Gable) represents trouble to Julie (Joan Crawford). His first approach is more violent than romantic, and he only thinks of one thing: escaping.
Verne tenta fugir pela primeira vez no filme depois de ir trabalhar no porto carregando e descarregando navios. Ele entra no bar de Renard, onde Julie, que ele havia visto mais cedo naquele mesmo dia, trabalha. Enquanto ele se esconde no quarto dela, Julie conta para os guardas o paradeiro de Verne. Ele é recapturado, mas Julie foi encontrada com ele, e por isso deve sair da colônia em até 12 horas.

Verne makes his first attempt to escape in the movie by running away after he goes to the harbor to load ships. He ends up in Renard's bar, where Julie, who he has seen earlier that day, works. While he is hiding in her room, Julie tells the guards where he is. Verne is recaptured, but Julie was found with him, and thus she must leave the colony within 12 hours.
De volta à prisão, Verne se envolve em um plano de fuga com outros oito homens. Seu inimigo, Moll (Albert Dekker), tenta impedir que ele vá com o grupo, mas Verne consegue escapar e segue um mapa à procura da liberdade prometida. Ao mesmo tempo, Julie recusa a oferta do Monsieur Pig (Peter Lorre), que quer sair da colônia com ela, mas aceita a oferta de Marfeau (Bernard Nedell) para ir embora com ele. Obviamente, Marfeau não quer ajudar – ela apenas quer o corpo de Julie só para si.

Back to the prison, Verne gets involved in a nine-men plan to escape. His nemesis, Moll (Albert Dekker), tries to prevent him from going with the group, but Verne manages to escape anyway, and follows a map in search for the promised freedom. At the same time, Julie has refused Monsieur Pig's (Peter Lorre) offer to leave the colony with him, but accepted Marfeau's (Bernard Nedell) offer to leave with him. Of course, Marfeau doesn't want to help – he only wants to have Julie's body for himself.
O agora reduzido grupo de fuga se divide em dois, e dois trios enfrentam os obstáculos da selva. É óbvio que com o tempo surjam brigas dentro dos grupos e alguns fugitivos pereçam. Neste sentido, o filme me fez lembrar o pouco conhecido filme brasileiro de aventura “Arara Vermelha” (1957), sobre um grupo que rouba um diamante e precisa atravessar a selva para escapar com a pedra.

The now reduced escape group is divided by two, and two trios face the hardships of the jungle. Of course, with time there are fights inside the group, and some of the runaways perish. In this sense, the movie reminded me of little-known Brazilian adventure film “Arara Vermelha” (1957), about a group that steals a diamond and has to cross the jungle to escape with the stone.
Os coadjuvantes são ótimos. Peter Lorre fala com uma voz suave, porém aterrorizante. Ian Hunter interpreta o misterioso e espiritualizado Crambeau. Em um espaço pequeno e apertado, a câmera foca de baixo para cima em Hessler (Paul Lukas), embora a mesma câmera focalize outros prisioneiros de frente. Com este recurso, Hessler parece mais sombrio e perigoso. É um ótimo efeito que diz muito sobre seu caráter. Aliás, nós só ficamos sabendo qual crime levou Hessler à prisão. Para os outros prisioneiros, a razão para estar lá não importa.

The supporting characters are amazing. Peter Lorre speaks with a suave yet terrifying voice. Ian Hunter plays the mysterious and spiritualized Crambeau. In a tiny, tight space, the camera looks from down to up to Hessler (Paul Lukas), even though the other inmates are shot with a more conventional camera angle. This way, Hessler looks more somber, more dangerous. It's a great effect that says a lot about his character. By the way, we only get to know Hessler's crime. For all the other inmates, the reason for being there doesn't matter.
Nenhuma palavra precisa ser dita para que saibamos que Julie é uma prostituta – aliás, a outra garota que vemos acompanhando Julie quando Joan Crawford aparece na tela pela primeira vez é interpretada pela ex-atriz de cinema mudo Betty Compson. Assim como em “Rain” (1932), Crawford é visceral e simples na interpretação de Julie, e tem alguns belos momentos nos quais seu rosto sem maquiagem é focado pela câmera. Dá para imaginar como é ter apenas o mar e o rosto de Joan Crawford na sua frente?

No word has to be said so we know that Julie is a prostitute – by the way, the other girl who is seen accompanying Julie when Crawford first appears on screen is played by former silent sweetheart Betty Compson. Like in “Rain” (1932), Crawford is raw and simple when she plays Julie, and has some beautiful moments in which her make-up free face is focused by the camera. Can you imagine having only the sea and Joan Crawford's face in front of you?
O diretor Frank Borzage tratou de espiritualidade em muitos de seus filmes. Aqui, o tema mostrou ser um problema: a Legião Católica de Decência condenou o filme, causando boicotes em muitas cidades e a completa proibição da exibição de “Almas Rebeldes” em alguns lugares. Eu não acho que o filme 'zombe da Bíblia', como a Legião alegou, pelo contrário: a maneira como o filme lida com redenção é linda e inspiradora.

Director Frank Borzage dealt with spirituality in many of his films. Here, the theme proved to be a problem: the Catholic Legion of Decendy condemned the film, causing boycotts in many cities and the complete censorship of “Strange Cargo” in some places. I don't see the film 'making fun of the Scriptures' as the Legion alleged, on the contrary: the way the film deals with redemption is beautiful and inspiring.
Crambeau (Ian Hunter)
Com uma grande direção de arte – três palavras: selva no estúdio – e muitos personagens interessantes, “Almas Rebeldes” é um filme muito bom. É uma pena que a Legião da Decência tenha impactado negativamente sua performance nas bilheteria. “Almas Rebeldes” pode não ser uma obra-prima, mas é uma mistura curiosa de aventura e espiritualidade, e um filme que merece ser conhecido por mais gente.

With a great art direction – two words: studio jungle – and so many interesting characters, “Strange Cargo” is a very good film. Too bad the Legion of Decency impacted its box office negatively. “Strange Cargo” may not be a masterpiece, but it is a curious blend of adventure and spitituality, and deserves to be better known.


This is my contribution to the Clark Gable blogathon, hosted by Michaela at Love Letter to Old Hollywood.

terça-feira, 30 de janeiro de 2018

Mork & Mindy

Quando eu tinha uns 13 anos, eu tinha uma amiga cujo filme favorito era “Patch Adams – O Amor é Contagioso” (1994). Eu vi o filme, e imediatamente Robin Williams se tornou meu ator favorito. Felizmente, “Mork & Mindy”, o primeiro trabalho de Robin na TV, estava sendo transmitido na TV brasileira pela primeira vez. Três anos depois, o filme favorito da minha amiga tinha mudado para “Um Amor para Recordar” (2002), e meu ator favorito era então James Cagney. Eu perdi contato com esta amiga, mas meu ator favorito ainda é James Cagney – empatado c0m Lon Chaney. M

When I was about 13, I had a friend whose favorite movie was “Patch Adams” (1994). I watched it, and instantly Robin Williams became my favorite actor. It also helped that “Mork & Mindy”, his first work on TV, was being broadcasting Brazilian cable television for the first time ever. Three years later, my friend's favorite film had changed to “A Walk to Remember” (2002), and my favorite actor was then James Cagney. I lost touch with this friend, but my favorite actor is still James Cagney – tied with Lon Chaney. But this post is not about me or my friend, but about how I learned to love Robin Williams.
“Mork & Mindy” estreou na TV brasileira neste momento – por volta de 2006, quase 30 anos depois da série ir ao ar nos EUA. No Brasil, ela era parte do bloco de programação Nick at Nite, com outras séries vintage como “A Feiticeira”, “Jeannie é um Gênio”, “A Família Addams” e “Os Monstros”. A série estreou nos EUA em setembro de 1978, como um spin-off da popular “Happy Days” – Mork apareceu pela primeira vez em um episódio de Happy Days de fevereiro de 1978.

“Mork & Mindy” actually had its premiere on Brazilian TV the time I watched it – around 2006, nearly 30 years after it originally aired in the US. In Brazil, is was part of the Nick at Nite programming block, with other vintage series like “Bewitched”, “I Dream of Jeannie”, “The Addams Family” and “The Munsters”. The series premiered in the US in September 1978, and it was a spin-off from the popular series “Happy Days” – Mork had first appeared in a Happy Days episode in February 1978.
In "Happy Days"
Mork (Robin Williams) é um alienígena do planeta Ork que é mandado por seu superior, Orson – que foi, como você pode imaginar, batizado em homenagem a Orson Welles – para estudar a vida primitiva na Terra. Por primitivo você pode imaginar organismos pré-históricos, mas os animais que Mork vai analisar são na verdade dos americanos de classe média dos anos 70. Mork acaba morando de favor em Boulder, Colorado, com Mindy McConell (Pam Dawber), a filha do proprietário de uma loja de discos, Fred (Conrad Janis). A avó de Mindy, Cora (Elizabeth Kerr), também era presença constante na série.

Mork (Robin Williams) is an alien from planet Ork who is sent by his superior, unseen Orson, – who was, as you may imagine, named after Orson Welles – to study the primitive life on Earth. By primitive you may think about pre-Historic organisms, but the kind of animals Mork will analyze are middle-class Americans from the 1970s. Mork ends up boarding in Boulder, Colorado with Mindy McConell (Pam Dawber), the daughter of a record store owner, Fred (Conrad Janis). Mindy’s grandmother, Cora (Elizabeth Kerr), also made constant appearances.  
Por que uma adolescente como eu gostava tanto de “Mork & Mindy”? Mork era um alien ingênuo e com boas intenções vivendo disfarçado na Terra. Ele em geral criava situações cômicas porque não entendia os códigos de convivência e as tradições humanas. Neste sentido, Mork se parece muito com outro personagem que eu também estava aprendendo a amar quando eu tinha 14 anos, um personagem com o qual eu me identifico muito até hoje: Sheldon Cooper de “The Big Bang Theory”. 

Why did a teenager like me like “Mork & Mindy” so much? Mork was a naïve, well-meaning alien trying to live undercover on Earth. He often created funny messes as he misunderstood the codes of human behavior and human traditions. In this sense, Mork is a lot like another character I was learning to love when I was 14, a character with whom I identify a lot until today: Sheldon Cooper from “The Big Bang Theory”.
Young Sheldon = Mork
Eu também gosto muito do estilo extravagante de Mork e de tudo a respeito de Pam Dawber: rosto, sorriso, risada, cabelo e franja! O que eu também gosto em Mindy é que ela não é uma personagem excessivamente sexualizada, embora houvessem planos de torná-la mais sexy – planos aos quais tanto Pam Dawber quanto Robin Williams foram contrários. Ainda bem, porque Mindy é simplesmente perfeita do jeito que é – e é fácil se identificar com ela. Mindy é a pessoa séria na série.

I also really like Mork’s extravagant look and everything about Pam Dawber: her face, her smile, her laugh, her hairstyle, her bangs! What I also like about Mindy is that she isn’t an overly-sexualized character, although there were plans to make her sexier – plans that both Pam Dawber and Robin Williams opposed to. Thankfully, because Mindy is just perfect – and relatable. Mindy is the ‘straight guy’ in the show.
Obviamente, “Mork & Mindy” não seria inesquecível sem Robin Williams. O roteirista Brian Levant o descreveu como “um cara que incorporava todos os três irmãos Marx, Chaplin, os Três Patetas e William F. Buckley em um só corpo”. Williams era muito bom com comédia física e também com improvisação, duas coisas que passaram a inspirar os roteiristas. Para equilibrar o lado cômico, havia o relatório final que Mork sempre mandava para Orson, comentando sobre a vida na terra e fazendo críticas do ponto de vista de um forasteiro.

Of course, “Mork & Mindy” wouldn’t be remarkable without Robin Williams. Screenwriter Brian Levant described him as “one guy who embodied all three Marx brothers, Chaplin, the Three Stooges, and William F. Buckley in one body”. Williams was very good at physical comedy and ad-libbing, things that writers drew inspiration from.  To balance with the comedy there was the final report Mork always sent to Orson, commenting about life on Earth and making some critics from the point of view of an outsider.
A série foi muito popular na primeira temporada – tão popular que Ginger Rogers se tornou fã e esteve presente em muitos ensaios. A série gerou um remake brasileiro em 1979 – provavelmente a razão de “Mork & Mindy” não ter sido exibida até 2006 foi porque o remake, “Super Bronco”, era uma cópia deslavada. Apenas os nomes das personagens foram mudados, todas as situações e detalhes eram os mesmos. “Super Bronco” foi um sucesso, mas foi cancelada após uma temporada.

The show was incredibly popular on its first season – so popular that Ginger Rogers became a fan attended many rehearsals. The series was remade in Brazil in 1979 – probably the reason why “Mork & Mindy” was never broadcasted until 2006 was that the remake, “Super Bronco”, was a shameless rip-off. Only the characters’ names were changed, all the situations and plot details were the same. “Super Bronco” was a success, but was cancelled after one season.
Original
SHAMELESS RIP-OFF
A maior razão por trás da queda de popularidade de “Mork & Mindy” foi provavelmente algo que estraga muitas séries: a insistência em focar em um relacionamento romântico entre os protagonistas. Com o tempo, Robin Williams perdeu o interesse em interpretar Mork – e isso ficou visível na tela. Mesmo assim, a série ainda é lembrada com carinho por aqueles que a viram, e nós seremos eternamente gratos porque ela apresentou a genialidade de Robin Williams para o mundo.

The biggest reason for “Mork & Mindy”’s downfall was probably something that makes many shows jump the shark: the insistence on focusing on a romantic relationship between the leads. With time, Robin Williams lost interest in playing Mork – and it showed on screen. Nevertheless, the show is still fondly remembered by those who watched it, and we’ll be forever thankful because it presented Williams’s geniality to the world.


This is my contribution to the Robin Williams blogathon, hosted by Gill and Crystal at RealWeegieMidget Reviews and In the Good Old Days of Classic Hollywood. Nanu, Nanu!

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